绘画的另一面——文倵个展

策展人：黄笃

出品人: 孙永增

展览总监: 刘晨雅、曹茂超

策展助理：沈菲菲

主办：白盒子艺术馆

白盒子艺术馆   2015年1月17日—3月5日

2015年1月17日，由著名策展人黄笃策划的艺术家文倵个展“绘画另一面的意义”将在北京798艺术区白盒子艺术馆开幕。

什么是绘画另一面的意义？艺术家文倵近来的绘画实践具体而生动地揭开了这一层含义。文倵受启于日常生活中的食物切割机，试图建立个人的艺术维度，他偶然发现了食物切割机的机械效应——个人主观操作它能改变物质的形态，从整块食物被切割成标准化的片状，这种机器完全具有一种去个性化的强迫力量。当这种去个性化的机器被转移到绘画创作过程时，它顺即展现了艺术家在观念与语言上的独特个性。文倵尽可能发挥了颜料的厚重感，描绘的形象在画布上将颜色层层画或叠加，形成了富有雕塑感的形式，然后，他以自制的切割机把厚厚的画面一层一层切开，改变绘画的物质形态。这种层层切割形象的过程和结果，既在“破坏”形象的同时，又在“生成”新的形象。也就是说，既保留了绘画形式的手工性，又展示了机器切割的不确定形象。可以说，文倵的作品无疑打开了新的绘画维度。

文倵最近的绘画聚焦于绘画的物质与精神的辩证关系，通过对形象的解读与分解，以油画物质性（颜料）作为认知物像的载体，力图扩张绘画的内涵与外延。在文倵作品中，绘画不仅是符号的载体，而且还呈现物质的自在性。

此次展览是艺术家文倵旅德归国后的首个个展，展览将呈现文倵多件力作。文倵曾就读于德国杜塞尔多夫艺术学院，举办过多次国际个展和群展，作品先后被欧洲著名美术馆和私人收藏家所收藏。

文倵：绘画作为个人方式

                                                                                                                      —— 黄 笃

文倵最近创作的绘画给人以难忘的印象。他聚焦于绘画的物质与精神的辩证关系，通过对形象的解读与分解，以油画物质性（颜料）作为认知物像的载体，力图扩张绘画的内涵与外延。在文倵作品中，绘画不仅是符号的载体，而且还呈现物质的自在性。

当今，艺术家无不都在创作中寻找排他性的可能，因为排他性意味着其中发现一种与众不同的方法论，运用新的方法则预示着生成新的艺术语言。如同丰塔纳（Lucio Fontana）在平面绘画空间上的开创性，文倵受启于日常生活中的食物切割机，试图建立个人的艺术维度，他偶然发现了食物切割机的机械效应——人主观操作它能改变物质的形态，从整块食物被切割成标准化的片状，这种机器完全具有一种去个性化的强迫力量。当这种去个性化的机器被转移到绘画创作过程时，它顺即展现了艺术家在观念与语言上的独特个性。文倵充分发挥如何使用厚颜料创作，描绘的形象在画布上用厚颜色一层层画或叠加，形成了厚重的雕塑感，然后，他以自制的切割机把厚厚的雕塑感画面一层一层切割开来，不断改变绘画的物质形态。这种层层切割形象的过程，就是形象的移位，既在“破坏”形象的同时，又在“生成”新的形象。也v就是说，这种绘画具有独特的辩证关系，既保留了绘画形式的手工性，又展示了机器切割的不确定形象。因此，文倵的新作无疑打开了新的绘画维度，从中揭示了人工与机器、形式与形状、生成与解构、设定与不确定之间的争斗和纠缠。

事实上，文倵把被自己覆盖的（绘画）想象断层剖开展示，让人看到绘画的新维度。如他所说，“自我解析系列作品，对我来说是我对过去绘画历程的反思。是把我的厚颜料油画用食物切割机一片一片的分解，试图把绘画完成后某个被覆盖的想象性断层解剖出来。这种方式，让我把过去已完成的绘画转变为二次解构的过程，它化解了作者和观众的想象力距离。”[1] 这是一种以游戏方式对艺术的介入，即思维、身体与机器对绘画的干预，交织着塑造与解构的过程，这一过程让绘画不再是经典秩序的呈现，而是使它与外物的结合与冲突，以颠覆绘画固有的经验。虽然绘画的发展有其线性逻辑的视觉经验，但这些经验也往往构成了绘画创新的约束或牢笼。因此，正是在这个意义上，文倵采用非绘画的方式，以打破固有的艺术逻辑和经验为砝码，让绘画不再仅仅是平面意义上的形式，而是要彰显绘画具有空间和时间的雕塑感。也就是说，机器之于绘画，则改变了绘画空间、形式、语言、观念的意义。

值得注意的是，文倵绘画的重心在于解构塑形（plastic），而德语的“plastik”一词，蕴涵“雕塑”的塑造之意，具体指在绘画中与刻划或塑造人物或事物的形态。文倵把这种雕塑概念引入新的绘画方式，将之观念性地转换成“塑造”与“解塑造”的整体。这样使绘画从传统经验中挣脱出来，他以雕塑绘画的效果，冲破绘画的平面性，透过物质变化，向外延展，从而使作品在空间与时间上产生无限性，让绘画自身最终获得新的解释。无论是日常形象，还是历史图像，他主观剔除了与图像相关的语境，并使其转化成纯粹的视觉语言。一切图像经由他手绘与机器处理，宏伟和微观的图象被过滤和简化成纯粹视觉形式，看似没有鲜明批判的姿态，实质上却有非常理性的思考——以绘画／雕塑／装置的形式揭示形形色色的图像背后的象征符号——集体记忆、政治话语、社会阶层、流行时尚、日常生活、个人身份的轨迹。例如在作品《自我解析》（128 x192cm，亚麻布面油画，2013）中，文倵循用自己的观念与方法，画了一只盘中的海南鸡，由64张小画拼成一张大画，描绘了盘中之鸡，预示其任人宰割，恰与一层一层切割厚厚的油画颜料过程和效果相吻合。他主观使绘画的物质性发生变化和转移，最底层的油画颜色被（机器）切割成几近光滑的平面，依然能分辨鸡之形态。然而，画面上被（机器）切割下的一块一块颜色分布于一块一块小画布上，并没有布成鸡的形状，而是组成抽象的色块。其余被切割的油画颜色被自由堆积在一个麻袋上，组成了绘画／装置的整体结构。在《冲突》（80 x100cm，亚麻布面油画，2006）、《面对面》（60 x140cm 布面油画 2012）、《无题》（40 x 110cm，布面油画，2013）和《身份证》（40 x 110cm， 布面油画，2014）中，文倵在不同的厚厚油彩形象上切割下一层，将之移至另一画布上，形成了两个正反或对视的形象。显然，这是平面绘画的手工与机器切割的肌理之间的对比，其形象蕴涵了精确与偶然、技术与自然的关系，从而建构了一种超出想象的奇异视觉效果，并在现实与非现实之间找到某种精神本体。

除此之外，文倵还从事抽象绘画的创作，他把抽象绘画看作身体运动的产物，灵活把握住了色彩的结构、关系和形式，将纯粹色彩或不同色域进行流动性处理，呈现画面的韵律、结构和形式，这一切归结于他对整体与局部、强与弱、轻与重关系的熟练拿捏。尽现色彩挤压、划动和刀刮所形成的凹凸肌理及其雕塑感，如作品《无题》（100 x 90cm 亚麻布面油画，2014）、《屋顶》（230 x 200cm，亚麻布面油画，2014）和《彩虹》（布面油画，120 x 90cm，2014）等所呈现的丰富而微妙的变化，它们无疑表明：不仅反映了（艺术家）个人在创作中对绘画物质性的强调，而且也展现了其把控几近极简形式的能力。

文倵的作品并没有呈现什么主义的明确理论，但他要以最简单的方式发挥机器之功效，将其转移到绘画中，并让其颠覆绘画表现技巧及其秩序。虽然他所表现的是大多常见的形象，但其作品剔除了语境化成份，以再现其纯视觉意义。与此同时，文倵的作品通过手绘与机器的冲突暗喻了社会普遍价值观的混乱，进而直指当今社会与文化互相动摇的评价基准的根基。因此，文倵作品所彰显的操作性，显而易见地证明艺术生产就是一种思维方式。

注：